Kiramager Spin-Off: Yodonna

 ¿Qué tiene que decir este spin-off para adultos acerca de esta famosa villana?

Ah, la serie del 2020, Mashin Sentai Kiramager… no muchos están de acuerdo conmigo en esto pero considero a ésta como una de las peores series Super Sentai jamás creadas, y lo digo totalmente en serio. No había transcurrido nada desde que Ryusoulger terminara y dejara en claro lo poco que a Toei le puede importar Super Sentai. No quería odiar otra temporada tanto como Ryusoulger y tampoco quería creer que Toei haría algo peor tan pronto, pero llegó Kiramager y creo que pasé un peor rato tratando de terminarla. Fue tan sosa e irritante, un pésimo intento de repetir ideas que Sentai pasados hicieron, y un todavía más insultante intento de parodiar o “criticar” aspectos de la franquicia. Tenía prácticamente todo lo que detestaba de las nuevas temporadas y fue el inicio de otras horribles tendencias.

Bueno, pero se supone que Kiramager fue un éxito para los fans. Por supuesto que la serie que “regresó” al estilo de las series de antaño e hizo todo superbién dejó un gran impacto en la franquicia… sí claro. Actualmente parece que los sentai posteriores seguirán el estilo vanguardista de Zenkaiger y Donbrothers, y que ambos han opacado por completo los brillitos del 2020. No veo que le caiga arena pero tampoco veo mucha discusión sobre ésta. Tal parece que cierto fan estaba en lo correcto cuando decía que Kiramager fue solo un proyecto puesto en piloto automático mientras Toei preparaba la serie de aniversario, y que por eso no estaban intentando para nada con ésta. Al final cumplió su objetivo de rellenar un año con material sentai genérico, siendo debidamente desechada y olvidada por todos…

Por supuesto que no, librarnos por completo de Kiramager sería demasiado bueno para ser verdad. Verán, un único elemento de la serie consiguió la fama y relevancia para ganarse unas piezas de material suplementario dedicados enteramente a ello. Estamos hablando del primer (¿?) especial enfocado en una villana de un sentai, y también una de los pocos materiales enfocados a un público más maduro. Yo con toda seguridad lo vería, pero eso no me causaba emoción sino más bien lo contrario, y no exactamente porque no me guste la serie.

Yodonna 1

Por más genial que suena que finalmente le hagan un especial dedicado a un villano sentai (cosa que muchísimos ejemplares anteriores merecían), la verdad es que el personaje en cuestión consiguió su fama por las peores razones. No es que Yodonna sea una antagonista particularmente interesante, única o amenazante, sino que logró muy exitosamente atraer una legión de jóvenes cachondos al punto de que incluso atrajo a gente que ni seguían la serie. Yodonna consiguió que hicieran una decente cantidad de mercancía sobre ella (cosa que repito, muchos otros villanos sentai merecían más), e incluso audios ASMR por lo que eventualmente harían este especial para explotarla en otro proyecto fetichista. Yo no pensé mucho sobre Yodonna cuando veía la serie, solamente me pareció la siguiente de villanas *seductoras* del molde que hace Hideaki Tsukada, como Succubus de Dekaranger y Mele de Gekiranger. Y honestamente con lo mucho en común que tiene esta última con Yodonna, solo que mucho mejor desarrollada y profundizada, diría que Mele dejó obsoleta a su clon de Kiramager desde el principio.

Eso sí, Yodonna fue otra decepción pero no fue ni por asomo el peor problema de Kiramager y no estaría mal que este spin-off hiciese algo interesante con su personaje, especialmente por tratarse de una antagonista sentai interpretada por una actriz en vez de un traje. En esta historia escrita por Tete Inoue, se cuenta cómo Yodonna luego de su penosa muerte tiene la oportunidad de regresar a la vida con la ayuda de un aparato (robado por cierto) que le permite arrebatarle el cuerpo a alguien, por lo que vuelve al mundo de los vivientes como fantasma para elegir su víctima. La elegida es por un (afortunado) accidente la amiga de Juuru, la linda Mizuki Kakihara. Pero, para complicar este proceso de posesión, resulta que Mizuki fue involucrada con unos yakuzas por tomar accidentalmente el teléfono de su hermano que contenía evidencia de sus crímenes. Como puedes esperar de una premisa como esta y la necesidad de empujar este spin-off a algo más adulto, nada de lo que pasa a lo largo de esta trama es lindo. Sí se muestra a los yakuzas matando gente, engañando clientes para sacarles los órganos, e incluso intentando secuestrar a Kakihara. Lo bueno que causa esto es que obliga a Yodonna a ayudar a Mizuki y que se vayan comprendiendo.

Aun así, no hay tanta intención en hacer una historia emocional como lo que realmente quería hacer este especial al enfocarse en un público mayor. La trama es exactamente la de una película de serie B de yakuzas, con su dosis de violencia gratuita, torturas, y el clímax consiste en ver a Nashiko Momotsuki vestida de maid en una pelea de artes marciales contra esos malotes. No debería de sorprender que el sujeto a cargo de dirigir este video fue Koichi Sakamoto. Sí, el mismo que trajo el estilo de acción de Power Rangers a Super Sentai, el que estuvo a cargo de muchos otros especiales como las películas VS o las de Space Squad, y en esos en particular se notó más su forma depravada y fetichista de mostrar a las mujeres… por lo que no había duda de que él estaría involucrado en esto. En lo personal no me gusta mucho Sakamoto, su trabajo por lo general es la definición de espectáculo sobre sustancia (y no es que me guste mucho su acción), y siento que las heroínas sentai (y las chicas en general) merecen ser representadas mejor. Esperaba que Sakamoto hiciera prácticamente todo lo que le gusta hacer con las actrices en este video, incluso dándonos esta hermosa vista:

Lo más chocante es que de todos los tokusatsus existentes, este spin-off sea de Kiramager. Esa podría ser la temporada más creada para la choza de los pequeñines de todas. Hasta la escena del principio con Juuru y Tametomo se siente como el inicio de otro empalagoso episodio de Kiramager, y esta ocurre en el especial más morboso y cachondo de la franquicia, y que ni siquiera lo es por una buena razón o que sirva para algo más que satisfacer a esos fans depravados. No voy a hacerme el SJW y decir que esto sea condenable, después de todo creo que hay un momento para todo y hay cosas más problemáticas. Este spin-off fue hecho para un público muy específico al que les encantará esto pero al menos esta primera parte no ha ayudado mucho al personaje o a la serie. Simplemente me parece un desperdicio de lo que se podría hacer con la libertad de no enfocarse en un público infantil y de explorar más a fondo a uno de los antagonistas.

Yodonna 2

La segunda parte tiene cosas más interesantes que decir, aunque no sabría decir si es mucho mejor. Primero tengo que aclarar que los Yodonheim fueron de los villanos más acartonados que ha tenido la franquicia, y su confrontación contra los Kiramager fue una de las ilustraciones más sosas de la lucha entre el bien y una representación muy superficial e insincera del mal que he visto. Naruhisa Arakawa hizo un PÉSIMO trabajo al intentar de darle algo de profundidad y desarrollo a los antagonistas de la serie, especialmente al cagarla con el trasfondo que le dio a Galza. Ahora, la decisión de que los malos de este especial sean auténticos criminales en vez de los monstruos de caucho de la serie sirve bien como una crítica (probablemente involuntaria) a lo patéticos que fueron los Yodonheim. El mayor ejemplo es ese jefe de policía (compañero del hermano policía de Kakihara) que resultó ser el líder de esos yakuzas y que busca matar a Mizuki para encubrirse.

Bueno, los yodonheim y otros elementos fantásticos no están del todo ausentes en esta parte, pero hacen un mejor trabajo en aportar algo para la trama. Como mencioné anteriormente, posiblemente la mejor parte de esta historia ha sido lo de forzar a Yodonna a amistarse con Mizuki. Estas extremas situaciones que han pasado juntas causaron que la villana llegue a comprender algunas emociones de la adolecente, sintió alegría junto a ella y la comprendió cuando estuvo triste y enojada. Claro que esto no era tan bonito ya que todo este tiempo Yodonna estaba tratando de robar el cuerpo de Mizuki, y peor aún es que el tipo al que le robó el aparato regresa cuando parecía que ya se habían gustado para revelarle la verdad a Mizuki. El yodonheim resentido se pone de lado de los malotes y juntos emboscan a Mizuki, lo cual lleva a Yodonna tomar la decisión de renunciar a tomar el cuerpo de su amiga. Lo siguiente es otra pelea genérica y una esperable pero dulce despedida.

Diría que esta segunda parte sí cumplió en darle más desarrollo al personaje a Yodonna. Estos episodios consiguieron humanizar a uno de los acartonados villanos de la serie, con ese sacrificio por Mizuki siendo la mayor demostración de eso. Este especial ha logrado desarrollar a un personaje mejor que todos los episodios de Kiramager combinados. Y aun así, gran parte de este video sigue consistiendo en escenas de pelea obscenas, y aunque es comprensible que Yodonna tenga que volver al mundo de los muertos casi se siente como si ella fuese castigada por mejorar como persona y ayudar a los demás, por lo que entiendo que no se sienta que este spin-off haya logrado mucho.

Ah, y al menos Yosuke Kishi (Sasori Orange de Kyuranger) tuvo un pequeño rol en este spin-off como el hermano de Kakihara. Qué bueno, siempre me agradó ese chico.

Yodonna 3: El San Valentín de Yodonna

Esta parte tardó demasiado en salir. En serio, los dos anteriores salieron en 2021 y este recién este año. No es que lo haya anticipado mucho, la parte anterior había terminado con un pequeño adelanto en el que nos dicen que Yodonna tendrá que entender el amor para revivir, y ella piensa que KirameiYellow sería el indicado. Más de un año después finalmente anunciaron esta parte y sí parecía indicar que trataría sobre construir un romance entre ella y Tametomo, lo cual no me daba muchos ánimos. Hubo un intento de hacer una relación entre un guerrero sentai y la villana en Kiramager, pero eso fue otro punto que Naruhisa Arakawa desperdició y no llevó a nada – bastante patético considerando que él hizo un trabajo decente con la relación de Asuka y Jannu en Abaranger.

Pero… ¿qué tal si les digo que yo consideraba a Yodonna’s Valentine como la mejor de la trilogía? Me gustó el cambio de ritmo que le dieron a este especial, pasando a ser principalmente sobre romance en vez de otras cosas morbosas. Bueno, tampoco diría que esta parte fue hecha con intenciones muy inocentes. Los episodios anteriores tuvieron esas escenas de besos entre Yodonna y Kakihara, pero no cumplían ningún propósito aparte de satisfacer el morbo de la audiencia, no es como si hubiese amor entre ellas. El San Valentín de Yodonna por otra parte, sí se atreve a emparejar a la protagonista con una chica románticamente.

Yodonna vuelve como fantasma al mundo de los vivos para encontrar el amor, a lo que se cruza con otra linda chica llamada Miko que decide ayudarla (incluso prestándole su cuerpo, qué amable). Con ese cuerpo consiguen una cita con Tametomo, por lo que Miko ayuda a Yodonna a prepararse para eso. Ambas van a ver una película romántica, con una trama muy interesante. Miko le enseña a Yodonna a cómo comportarse como una novia, a hacer chocolates y por alguna razón a tener un beso algo… extremadamente apasionado. Para mi sorpresa, y lo que más me gustó de este especial en un principio, es que tal como en la película que vieron la protagonista termina por enamorarse de esa persona que le enseñó a amar en vez del hombre con el que tenía esa cita. Esto no podría ser mejor, una linda y simple historia sobre cómo se desarrolla el verdadero amor, y que Yodonna abandone a ese de payaso Tametomo. Miko es una mejor elección para Yodonna sin duda, tan tierna y amable que te olvidas que la actriz hizo de la hermana tonta de Twokaiser.

En vez seguir con acción obscena y sin mucho propósito, decidieron contar una dulce historia de amor que ayude a humanizar a una villana. Un especial enfocado únicamente enfocado en el romance es la clase de novedad que quería ver en un spin-off como este, por lo que fácilmente es mi favorito de esta saga… o eso parecía. Cuando Yodonna acepta su amor por Miko y se vuelven una pareja, se revela que la chica no era humana sino un yodonheim disfrazado que quería revivir al Emperador Yodon con ayuda de nuestra protagonista. La verdad no lo entiendo, Tete Inoue decidió arruinar un bonito romance y romperle el corazón a Yodonna (y a mí), ¿pero para qué? Supuestamente esto fue para que Yodonna pueda sentir las otras emociones y volver a la vida, ¿pero no que el juez había dicho que lo único que le faltaba era comprender el amor, ya que había sentido lo demás en los episodios anteriores? Podría ser para justificar esa nueva “transformación” que solo usa para una corta y sosa pelea en este especial, lo cual creo que sería una peor razón. Afortunadamente este episodio se salva de dejarte con un sabor amargo al hacer que Yodonna sí pueda revivir y quedarse en el mundo de los humanos, concluyendo esta turbulenta historia con un final feliz (¿o agridulce?) para ella.

Cuando vi esta parte por primera vez me encantó pero ahora solo lo considero extraño. Me gustaría pensar que la intención sí era contar una sincera historia de amor (atreviéndose a hacer yuri, así es) pero más parece que querían usar esto como un fetiche y luego cumplir la cuota de una pelea para promocionar ese nuevo traje del personaje. Y a pesar de esa traición, este sigue siendo uno de los pocos especiales no enfocados en la acción sino en un (falso) romance y drama, lo cual debe valer algo. Lo mejor que puedo decir de esta trilogía es que sí consiguieron hacerme apreciar al personaje de Yodonna. No creo que la volvamos a ver ya que ya hicieron el crossover con Zenkaiger y no sé si Toei quisiera hacer más material de Kiramager después de tantos años, pero estoy contento por cómo terminó el personaje.

Además, si somos optimistas podríamos pensar que Toei podría aprender algo de éstos y darles más atención a los antagonistas de las series Sentai. Este año tuvimos esa mini-serie de Racles de King-Ohger, la cual fue casi inútil, pero si siguen intentando algún día podrían darnos algo genuinamente especial… eso espero. No involucrar a Sakamoto podría ser un buen primer paso, solo digo.

Dragon Ball GT: Episodios 48 – 59

 

Episodios 48 – 53

Las esferas del dragón… no tan sorpresivamente no son lo que más mueve la historia de las series con “Dragon Ball” en el nombre. Akira Toriyama quería poner “Dragón” en el nombre de su obra por ser esta una palabra que aparecía frecuentemente en muchas de las películas de artes marciales que tanto le encantaban (como “Operación Dragón” de Bruce Lee). Así que varios elementos característicos de la serie, como las inspiraciones a Viaje al Oeste e incluso las esferas del dragón fueron más bien adiciones tardías que fueron sugeridas por el editor de Toriyama. Sensei solo tenía planteado que quería hacer una historia de aventuras y artes marciales, y ese ha sido su mayor enfoque durante el transcurso de la creación de la obra. Dragon Ball siempre se ha tratado sobre Goku, sobre su jornada y crecimiento como guerrero, y a medida que la serie evolucionaba hacia esta historia sobre peleas exageradas de semidioses, el protagonismo que tenían las esferas fue desvaneciéndose cada vez más.

De lo que más me ha gustado resaltar en esta retrospectiva ha sido cómo esta serie trata de darle cierres a algunos conceptos introducidos en sus predecesoras, como que la saga de Baby tenga una especie de reflexión sobre lo que fueron e hicieron los saiyajin, o lo que fue de los tsufurus, además de darnos la forma definitiva de la leyenda del súper saiyajin. La saga de Super 17 aprovechó ese infierno inventado para el relleno de DBZ y nos dio un montón de fanservice al traer a todos esos viejos villanos y hacer que los héroes puedan vencerlos una vez más. Así que el concepto detrás de esta última saga de la serie sería remontarnos a ese mismo elemento que fue central para la primera saga del primer Dragon Ball. El guionista Atsushi Maekawa explica que la razón por la que las esferas del dragón son el último enemigo de esta historia es para mostrar que uno debe afrontar y superar sus problemas con su propia fuerza – en todas las sagas anteriores los personajes han usado estos aparatos mágicos para corregir cualquier error o tragedia que les haya aparecido, pero ahora tendrán que enfrentarse a siete dragones que son las manifestaciones de aquellas cosas que “arreglaron” usando esas esferas, y esta vez tendrán que vencerlos usando su propias manos en vez de con la ayuda de Sheng Long. Inclusive los daños en los lugares, que también eran restaurados con los deseos, ahora permanecen luego de las batallas y tendrán que ser arreglados por la propia gente.

La verdad no creo que haya una mejor idea para un antagonista final de Dragon Ball que las propias esferas del dragón. Considerando su prominencia y, eventualmente, devaluación a lo largo de la historia, ya era hora de volver a imponer respeto a los objetos que dan nombre a la serie. Solo miren cómo Dragon Ball Super las ha ridiculizado, no hay nada más patético y sin gracia que Bulma pida arreglarse las arrugas o el culo. Vamos Toriyama, esfuérzate más en tus chistes, sé que puedes escribir cosas mejores.

(Y que revivan de una vez a Kaiosama…!)

Hablando de deseos que desearías que no fuesen canónicos, es momento de hablar de un problema acerca de la continuidad que Dragon Ball GT ha “tratado” de plantear. Está bastante claro que esta serie es una secuela del anime de Dragon Ball Z que ha hecho Toei, y que por ello utilicen elementos no pertenecientes al manga de Toriyama, como los tsufurus, pero podría ser que vaya aún más allá de eso. He visto a algunos fans afirmar que las películas de Dragon Ball Z también son canónicas para GT, o al menos algunas de éstas. Las mayores piezas de evidencia son la aparición de Cooler entre villanos que regresan del infierno, y que en el opening Trunks utilice una espada, lo cual es una alusión a Trunks del futuro pero bien podría ser la que le dio Tapion en la treceava película. El problema con estas películas es que en la mayoría de estas los personajes hacen un deseo con las esferas del dragón, y que esta saga muy minuciosamente ha elegido los deseos realizados en la historia canónica de Dragon Ball y Z, por lo que si las películas fuesen canónicas entonces también deberían contar esas veces que usaron las esferas también, lo cual no es así. Los rivales más poderosos tiene muchos problemas encajando en la continuidad de Z por lo que automáticamente queda descartado como canónico, mientras que en El ataque del dragón no solo utilizan las esferas una vez, sino que no tendría sentido que la espada sea la de Tapion porque si asumimos que Trunks del futuro también la obtuvo de él, no tendría sentido porque en su línea temporal no hay nadie que pudiese haber vencido a Hildegan. Cada una de las películas tiene algo que evite que puedan ser canónicas hasta para Z o GT, por lo que creo que está bastante claro que ninguna lo es y que todas esas pequeñas apariciones son simples inconsistencias. (Y por eso mismo Super tampoco puede ser parte de la misma continuidad que GT, ahí ya han usado las esferas como una docena de veces.)

Ahora, por más que me gustaría decir que esta saga hace un mucho mejor trabajo que la primera en aprovechar este elemento nostálgico de las esferas del dragón, la realidad es que volver a ver el principio de esta saga no me ha gustado tanto como cuando era más joven. El shock que causa ver que esto le haya pasado a las esferas es inmenso, y esas hermosas secuencias de esos dragones sombríos yendo a varios lugares del planeta (cortesía de la dirección de Mitsuo Hashimoto) también causan una gran primera impresión… pero el verdadero contenido de esta saga, al menos al principio, es sorprendentemente aburrido. Luego de lo atrapante que fue la saga de Baby, seguida inmediatamente de la corta pero bastante entretenida saga de Super 17, estos episodios arruinan por completo la buena racha que tenía la serie. Esencialmente volvemos a cómo era la primera saga con episodios en los que Goku y Pan pelean contra monstruos de la semana alfeñiques y nada interesantes y… bleh. Bueno, estoy viendo un anime, así que supongo que debí esperármelo.

Lo único que quiero discutir sobre estos episodios es este extraño momento. Indiscutiblemente uno de los anti-feats más mencionados por detractores de la serie, y uno de los más desesperados. La verdad, que la serie decida mostrar a Goku teniendo que transformarse a su fase más poderosa para mover un edificio como una demostración del poder del personaje es absurdo, pero esta es una de las consecuencias del grave problema que tiene Dragon Ball en general en cuanto a su inconsistencia al calcular y demostrar el poder de los personajes. Desde el primer Dragon Ball se ha mostrado que los personajes son capaces de destruir ciudades enteras de un solo disparo, y la serie ha avanzado a tal punto que incluso vimos personajes destruir cuerpos celestes, pero cuando vemos a los personajes pelear casi nunca se refleja eso. Si los personajes realmente tuvieran dicho poder, cualquier golpe que den debería causar daños devastadores a los planetas en los que están, o incluso destruirlos, pero la serie insiste en que sigamos viendo a los guerreros peleando de la misma manera. (¿Quién dice que Cell realmente puede destruir un sistema solar? Nunca vimos a ese tonto destruir ni una estrella, Naruto podría ganarle.) Y para los que usan esto para debates de GT vs Super, ¿se acuerdan de cuando un láser corriente atravesó a Goku ssj blue? ¿Qué hay de todas esas ridículas escenas de entrenamiento en las que a Goku le cuesta levantar unas cuantas toneladas? Y podría pasarme toda la tarde enumerando más anti-feats como que a Goku ssj dios le duela que Broly lo golpee contra el hielo, o esta obra de arte.

Episodios 54 – 59

Cuatro estrellas, Si Xing Long, Nuova o como quieran llamarle, es obviamente el primero de los enemigos de este arco que realmente valen la pena discutir. Uno de los pocos dragones malignos que suelen aparecer en los videojuegos, este bicho se ganó su fama entre los fans por unas buenas razones. Su imponente diseño y su actitud (de la que hablaremos en un rato) claramente lo hacen resaltar de inmediato, pero personalmente también diría que esa particularidad de que su poder se base en el fuego lo vuelve un enemigo bastante único entre los de todo Dragon Ball. Hay una gran cuestión sobre si los guerreros de Dragon Ball siguen siendo vulnerables a ataques elementales a pesar de lo inmensamente poderosos que son. Pensándolo lógicamente asumiríamos que para este punto no deberían serlo, digo, no creo que algo de fuego sea más destructivo que la bola que Freezer usó para destruir un planeta, pero hay algunas instancias que indican que sí pueden afectarlos. Está el hecho de que algunos villanos fueron aniquilados lanzándolos al sol, o algunos otros momentos extraños en los que los personajes le tienen miedo a esas temperaturas (como cuando Goku cree que no sobreviviría en el núcleo de la tierra en DBS). Yo creo que realmente no son débiles a los ataques elementales, al menos no a los de una potencia mundana. Para mí que esos villanos murieron por el daño del ataque que los empujó al sol en vez de la temperatura del sol. En Super incluso vimos a Goku y Broly pelear bajo lava, mientras que otros de los pocos ataques elementales en la serie (como ese ataque eléctrico de Roshi) son obviamente potenciados enormemente por el ki del luchador, incluyendo las técnicas de fuego y hielo de los dragones de estos episodios.

Por otra parte, siento lástima por el estudio Last House. Claramente Toei entiende la dura situación en la que se encuentran (con prácticamente solo Masayuki Uchiyama trabajando ahí), por lo que les asignaron un episodio que consiste totalmente en escenas de dialogo y escenas recicladas de series anteriores. Hicieron lo que pudieron, y de todos modos no hay mucho que comentar de lo que pasa en ese episodio. Bulma dice que puede hacer que Vegeta obtenga la fase cuatro volviendo a usar la máquina que usaron para volver Oozaru a Baby Vegeta, lo cual ya lo sabía pero no es una mala manera de emocionar a los que ven la serie por primera vez.

Después de eso, empieza la pelea entre Nuova y Goku SSJ4. Lo mejor es la química entre ambos, con esa madurez del Goku SSJ4 y el respeto con que se tienen mutuamente, es refrescante ver una pelea seria y honorable luego de tanto tiempo. Por desgracia, nuevamente la sosa coreografía de la pelea falla en hacer que esta pelea sea tan cautivante como debería. La batalla ni siquiera dura mucho como para tener más oportunidades de impresionar, porque es interrumpida por otro macarra impaciente. (Vamos, nos dieron más episodios completos para esos otros dragones aburridos. Caramba.)

Aunque no quiero decir que las cosas se vayan abajo, para nada. Siempre me gustó Tres estrellas tanto como su hermano y creo que su inclusión trae otra refrescante dinámica entre personajes. Me encanta cuando la serie te hace odiar al villano, y que este granuja venga a interrumpir esta pelea limpia, y use esas tácticas sucias contra ambos es excelente. Ese pequeño drama de una confrontación entre hermanos, ambos de una especie maligna, ya me trae de vuelta a esa emoción que tenía DBZ (particularmente en las primeras sagas). Incluso tenemos una demostración interesante de la habilidad de Goku, eso de que las técnicas no vuelvan a funcionar en él tiene sentido considerando toda la experiencia que tiene en peleas, y es algo que me había impresionado mucho cuando era niño. Una aún mejor demonstración de la habilidad de Goku fue ese épico momento en el que, después de ser cegado por un ataque a los ojos, Goku consigue contraatacar a otro ataque sorpresa usando sus otros sentidos, finalizándolo con un golpe del dragón. La escena es ASOMBROSA y de los mejores momentos del personaje.

El estudio Seigasha realmente se lució con esto, y por suerte el resto del episodio seguiría con otras escenas impresionantes. Apropiadamente, en este mismo episodio es introducido el dragón de Una estrella, el enemigo final de esta serie. En su primera aparición nos demuestran que es igual de desalmado que Tres estrellas (al llegar a matar a uno de sus hermanos) y que su poder lo vuelve alguien a quien temer. Atsushi Maekawa también consigue que esta repentina pelea sea interesante al hacer que Goku empiece con una desventaja (sigue cegado por el ataque de San Xing Long) y que por una vez los luchadores aprovechen lo que hay en el escenario (ese parque de diversiones en ruinas). Otra escena impresionante, prueba de la destreza del estudio Seigasha, es cuando Goku le lanza un Kamehameha x10 a Una estrella y este lo recibe como si nada.

Luego de que ese episodio dejase a Goku en una nefasta situación, el plot armor vuelve a entrar en acción y el resto de los Guerreros Z (incluyendo a Milk, Videl y Mr. Satán) aparecen para salvar al protagonista, porque justo ahora se dan cuenta del peligro de esta situación. Así que estos recurren a un método usado anteriormente en la serie: que los saiyajin le den su poder a Goku; lo cual funciona y con este nuevo poder el saiyajin ciego finalmente hace justicia por todo lo que ese villano le hizo a Nuova y a cualquiera de sus otras no-mostradas-pero-seguro-que-existen víctimas.

• Por lo general no me gusta cuando los fans se inventan una “mejor” versión de la historia de la serie que los guionistas y productores profesionales, pero recuerdo un comentario de alguien que decía que esta saga hubiese sido más interesante si hubiesen hecho que los Guerreros Z se dividan para que cada uno se enfrente a alguno de los dragones malignos por separado. Esa quizás podría haber sido una forma de darle un momento de brillar a estos personajes que la serie no ha aprovechado muy bien (especialmente a Uub).
• Al menos aprecio que esos amigos vengan a apoyar a Goku para su última gran pelea. Qué conmovedor.
• Una estrella sobrevive al ataque y acto seguido absorbe el resto de las esferas para llegar a su forma definitiva: Omega Shenron, el villano más poderoso de Dragon Ball GT. Como es obligatorio dar mi opinión de él para completar esta retrospectiva lo voy a decir ahora mismo: Omega nunca fue exactamente uno de mis villanos favoritos, pero me agrada lo suficiente. Él es prácticamente otro Kid Buu en el sentido de que su personaje es enteramente la personificación del mal, e incluso con la distinción de que éste sí puede hablar, su falta de otras caracterizaciones o actos malignos evitan que sea muy memorable o interesante. Pero su diseño demoníaco es genial, su fuerza es tremenda, lo de usar los poderes de los otros dragones es brillante y muy bien utilizado, y no se queda en la serie por demasiado tiempo como para que te canses de él, por lo que está chévere.

La batalla continúa y algunos de los mejores talentos son traídos para complementar estos momentos importantes. Omega hace un espectáculo al utilizar las habilidades de sus hermanos absorbidos (me gusta en particular esa imagen de Cuatro estrellas cuando usa su poder) lo cual se ve bien pero es casi completamente inútil porque que el saiyajin ya se adaptó a éstos. Más importante aún, los ojitos de Goku por fin se sanaron por lo que se le ocurre la *impactante* estrategia de fingir no poder ver pero en realidad apuntar su kamehameha correctamente, atinándole y causándole… cero daño. Pero esperen, resulta que Goku hace un combo al dar un golpe del dragón por tercera vez en esta serie. Qué importa que ya hayamos visto esa técnica hace dos episodios, si Toei sabe que esta sexy técnica no canónica probablemente no será usada en muchísimos años será mejor que aprovechen mientras pueden mostrarla. La dirección de Yoshihiro Ueda y la animación de Tadayoshi Yamamuro logran otra de las mejores escenas de la serie visualmente.

Este glorioso ataque vuelve añicos a Omega, pero con el poder del dragón eléctrico consigue recomponerse y volver a pelear. Ahora, esto me hace preguntarme si Omega también es débil al agua como ese dragón (si tuviese que adivinar, diría que probablemente no). Tampoco estoy seguro de si su regeneración es tan buena como la de Majin Buu, por la forma como lo hace parece ser un proceso más lento. Al menos es suficiente como para que Goku recurra a intentar volarse para destruir al dragón. Me encanta esta noble caracterización de Goku, entendiendo que su sacrificio y la muerte de este monstruo podrían salvar el universo… pero no creo que esa explosión sea capaz de matar al dragón. Por suerte Vegeta llega a tiempo para que no perdamos a nuestro protagonista por una tonta decisión, e inmediatamente ejecutan ese plan de usar esa máquina de ondas de Bulma para que Vegeta se vuelva un mono gigante otra vez y posteriormente un súper saiyajin cuatro.

Hay una gran cantidad de fans que han criticado el hecho de que Vegeta use una máquina para transformarse en super saiyajin 4, diciendo que “hizo trampa” al no hacer el mismo procedimiento que hizo Goku, y algunos llegando a decir que no es propio de Vegeta. Primero que nada, estamos hablando de Vegeta, el mismo sujeto que para hacerse más fuerte ha recurrido a métodos como crear una luna artificial, o dejar que Krilin lo atraviese con un rayo para que pueda curarse y abusar del zenkai. El príncipe siempre ha usado los métodos más eficientes para conseguir esos incrementos de poder, él usa las armaduras que le hizo Bulma y uno de sus formas de entrenar más frecuentes es la de meterse en una sala de gravedad artificial. Si me preguntas, no creo que ir al planeta del supremo Kaiosama a que éste use unas pinzas para sacarle la cola de nuevo hubiese sido algo que vaya bien con el personaje de Vegeta.

Realmente adoro que la serie nos de otro super saiyajin cuatro en este punto tan tardío. Esta transformación siempre fue de mis favoritas, y por más que GT no le haya dado tanto protagonismo a Vegeta como sus fans querían, al menos podemos decir que en esta serie ambos personajes acabaron con una no muy grande diferencia de poder entre ellos. Vegeta reconoce que incluso con esta nueva transformación no serán capaces de vencer a Omega Shenron, por lo que sorpresivamente le propone a Goku hacer la fusión. Es… una verdadera lástima que no veamos a Vegeta SSJ4 tener una pelea por sí mismo, pero esto de pasar directamente a la fusión es una gran demonstración del desarrollo de su personaje y a la serie le conviene anunciarnos el regreso de la fusión (que tanto les encanta a los fans) para mantenernos enganchados para el siguiente episodio, del que hablaremos en la próxima y última parte de esta retrospectiva.

Como última nota, el cuarto ending de la serie definitivamente me parece el menos bueno, especialmente viniendo después de los excelentes dos anteriores. “Sabitsuitai machine gun de ima uchinukou” de hecho es bastante decente, aprecio esta sincera melodía nostálgica por parte de los para entonces ya longevos WANDS, aunque la menor energía que tiene a comparación de sus predecesoras no le ayuda mucho. Las secuencias animadas son mi mayor problema con este ending, tanto Don’t you see como Blue velvet nos dieron secuencias e ilustraciones mucho más creativas e inspiradas sobre la trayectoria y las amistades que hizo Goku en su jornada, así que esto de mostrar unas animaciones de Gokus de diferentes épocas caminando se siente como si ya se les hubiese acabado las ideas. Aparte, ¿qué onda con esta imagen del final? Piccolo está ahí, Uub no está fusionado con Buu, y Goku por algún motivo usa el traje que usaba en el final de Z en vez del que usa en GT, por lo que esto debe ser de algún momento antes de empezar la serie, pero Giru está ahí por alguna razón así que… al carajo. Creo que es mejor si dejo de sobre-analizar esta cosa.

Super Sentai vivirá más que nosotros

¿Cuál es esa discusión sobre Super Sentai que los fans vuelven a traer cada año y que los fans veteranos quisieran que muera? Yo les voy a decir: la de si la temporada actual es apta para ser adaptada a Power Rangers… pero no perdamos nuestro tiempo en ese pozo inmundo por ahora, mejor dirijamos nuestra atención al tema responsable de hacer llorar a los chibolos y darles a sitios web de noticias falsas y a youtubers de pacotilla un escándalo del que aprovecharse. Estoy hablando por supuesto, del supuesto peligro de cancelación de la franquicia. 

El inevitable desaliento que trae este asunto y la forma en la que muchos “fans” lo usan para ridiculizar la franquicia son de lo que más me fastidia como fan. Hasta los fans bienintencionados son propensos a creer en muchas mentiras esparcidas sobre éste y terminan difundiéndolas más. Los capos ya tendrán bien claro que los ratings no son lo que determinan el rendimiento de una temporada en particular, y que el ininterrumpido declive de ventas de juguetes es lo que verdaderamente pone en peligro a la franquicia.

Con esto claro, es ineludible preguntarse por qué las ventas han decrecido tanto. Tratando de dejar de lado mi sesgo editorial, primero discutiremos las interpretaciones de lo que puede haber sido la causa del problema.

Algo morbosamente gracioso de esto es que probablemente Bandai tampoco sabe cuál fue la razón exacta del porqué empezó este declive de ventas o siquiera cómo remediarlo. En la década pasada creían que llenar el catálogo de artículos coleccionables era necesario para que una serie sea exitosa, pero Ninninger fue el primero de la lista de verdaderamente sonados fracasos de esa década y esa fue una de las que incorporó dicho elemento. La desesperación se hizo más evidente con series que claramente buscaban imitar temporadas pasadas que tuvieron éxito, el clon fallido de Kyoryuger conocido como Ryusoulger siendo el mayor ejemplo, resultando en nada más que en derrotas humillantes y tediosos años enteros en los que los fans de Super Sentai no recibieron nada novedoso o interesante. El caso de Ryusoulger también sirve como lección de que reciclar una temática popular y después no poner nada de empeño en la serie no basta para que la gente quiera comprar tus mediocres juguetes.

Tratar de ver el contexto histórico es un tanto más acertado pero también me parece que muchos están sobreestimando varios puntos sobre estos. La tasa de natalidad en Japón ha disminuido significativamente desde hace algunos años lo que significa que el público objetivo, los niños, está disminuyendo. Yo sí creo que esto debe haber afectado el número de ventas, pero no tanto como muchos asumen. Después de todo, las otras franquicias tokusatsu han estado arrasando en ventas a pesar de tener el mismo público objetivo, solo miren los números de los Super Sentai recientes y compárenlos con los de Kamen Rider y Ultraman. 

Esa gráfica también debería desmentir lo de que el COVID fue lo que causó las bajas ventas en los últimos años, pero estos números también resaltan otro problema de la franquicia que se inició hace poco. Nótese que la mayor pérdida de ventas se dio en 2019, con una pérdida de 9 billones de yenes, lo cual se debe a que desde ese entonces no se cuentan las ventas de Power Rangers en otros países ya que esta fue comprada por Hasbro. Para los que no lo sabían: las ventas de productos de Power Rangers en países extranjeros sí eran una gran fuente de ingresos para Super Sentai, pero como Bandai ya no está involucrado con Power Rangers ahora las ventas de esa franquicia ya no significan nada para Super Sentai. Esto pone aún más en perspectiva lo de Ryusoulger siendo un intento desesperado de mantener las ventas de Super Sentai a flote, y cuyo fracaso ha sido un duro golpe para la franquicia – uno del que se nota sus consecuencias y del que aún no se han recuperado. 

Así que Super Sentai terminó metida en una miserable posición en la que sus intentos de llamar la atención de los niños fracasaron, ya no cuentan con el apoyo financiero de las ventas de Power Rangers, y no tienen otros proyectos adyacentes (como películas, reboots o videojuegos) que les ayude a generar más ingresos. Por todo esto y por lo que le dijeron al actor de Momotaro el año pasado uno pensaría que Toei ya tiene el hacha lista sobre la cabeza de Super Sentai… solo que no parece ser este el caso y no hay verdaderos indicios de que la serie vaya a terminar pronto, o incluso nunca. Ahora les explicaré por qué.

Una “auténtica” confirmación de que Super Sentai nunca terminara viene de parte del, para entonces, productor Shinichiro Shirakura. El año pasado le respondió por correo electrónico a un fan brasileño en el que mencionó que sin importar lo bajas que sean las ventas, Super Sentai nunca será sacado del aire. Shirakura no dio una razón específica del por qué la franquicia será supuestamente eterna, pero tengo algunas teorías que podrían explicarlo.

• A Toei le importa el acuerdo que tienen con TV Asahi para pasar sus dos series tokusatsu seguidas. Si Super Sentai terminara, estarían en peligro de perder este acuerdo con TV Asahi y posiblemente ya no puedan pasar otra serie en ese horario que completaba el Super Hero Time.
• A pesar del claro favoritismo que tienen hacia esta, no creo que Toei quiera que Kamen Rider sea su única serie tokusatsu actual. Recuerden que Super Sentai es una de las pocas propiedades intelectuales originales de Toei, por lo que gran parte de los ingresos de los Sentai van directamente para ellos.
• Puede que simplemente se nieguen a terminar Super Sentai por puros motivos de tradición. La franquicia ha estado emitiéndose de forma ininterrumpida desde 1979 y puede que no quieran perder esa racha por ninguna razón. 
• Es un poco complicado saber si siguen haciendo Super Sentai por demanda de las empresas occidentales para seguir sacando Power Rangers, considerando que ahora Hasbro tiene los derechos de esa franquicia y parece que ellos ahora quieren hacer su propio material original. Al menos por parte de Toei puede que Power Rangers siga siendo un factor por el que quieren continuar con Super Sentai, porque en parte Power Rangers también es propiedad de Toei. Pero por el lado de Bandai, yo me imagino que terminar con Super Sentai sería una oportunidad de sacarles el dedo medio a los de Hasbro y decirles: “¡JA! ¿Ahora qué harán, palurdos?”

Ahora podemos regocijarnos sabiendo que tenemos Super Sentai para el resto de nuestra vida. Esto es motivo de brindar, muchachos. Cuando muramos nuestros nietos y posteriormente los nietos de nuestros nietos tendrán nuevos Sentai que ver. Así que llenemos nuestras copas con la sangre de esos bufones cínicos que solo quieren llamar la atención tratando de profetizar la muerte de la franquicia. ¡Hurra…! 

Por supuesto que estoy bromeando. Lo más probable es que Super Sentai vaya a seguir por un largo tiempo, pero temo que todo lo que venga después sea tan deplorable en calidad como las recientes temporadas. Seguro que ahora algunos van a querer reventarme los tímpanos diciéndome “¡idiota, la calidad de las series es completamente subjetiva!” Yo les digo que no estoy de acuerdo con eso, pero ese es un tema para otro día. Tampoco coincido con la insistencia del fandom en azucarar el asunto y pretender que nada malo está pasando con la franquicia, cuando el simple hecho de que Super Sentai sea la única franquicia tokusatsu con la que persistentemente se ha rumoreado su cancelación por tantos años debería ser indicación de que algo no está yendo bien. 

Ya he expresado la frustración que siento como fan de Super Sentai al ver lo negligente que Toei ha sido con esta en el último par de décadas, especialmente en comparación de lo que hacen con Kamen Rider al momento de darle más ambición a sus series, homenajear la franquicia o realizar otros proyectos ambiciosos. Posiblemente recordarán esa entrada sobre Ryusoulger que escribí en 2020, esa serie fue –al momento de su salida– el mayor ejemplo de toda la falta de atención y ambición con la que Toei manejaba a Super Sentai, resultando en una serie completamente vacía y aburrida. Al final de esa entrada mencioné que el fracaso de la serie causó que Bandai degradara a Super Sentai a clase B y que por ello las próximas series ya no tendrían tanto presupuesto y atención como antes. Ahora quiero que vean este mapa del Tamashii Nation (consistiendo en tiendas de varias franquicias de Bandai) del año pasado. 

No tienen idea de lo triste que me pone ver esto.

Miren lo diminuto que es el vendedor de Super Sentai, no solo a comparación de Kamen Rider, sino también de Ultraman e incluso de The Idolmaster, y para rematar está situado justo al fondo de toda la exhibición como si fuera la más prescindible. Luego del declive de ventas de la última década, de perder los ingresos generados por Power Rangers, y que ni siquiera los dinosaurios hayan podido elevar las ventas, Bandai degradó a Super Sentai a clase B mientras que simultáneamente promovieron a Ultraman al puesto que los Sentai solían ocupar. Esto es evidente con el vendedor de Ultraman siendo más grande en este Tamashii Nation, y con el recorte de presupuesto que han recibido los últimos Sentai – con Kiramager en adelante teniendo trajes más baratos para los enemigos, reciclando el mismo traje para todos los monstruos de la semana, teniendo menos sets y locaciones, y demás pérdidas. 

 

También he observado un cambio en el enfoque de Toei y de prácticamente todos los involucrados con Super Sentai. Gran parte del porqué Ryusoulger falló como serie se debió a que nadie puso su alma en esta, fue enteramente un producto de fábrica hecho con suma negligencia. Ese era el lamentable enfoque del Toei de antes, simplemente eran indolentes con Super Sentai, pero desde Kiramager parece como si todos estuvieran totalmente avergonzados de trabajar en estas series, o que directamente las detesten. Kiramager fue una serie sin ningún respeto por sí misma o por la franquicia, una temporada dedicada únicamente a ilustrar la errada noción que muchos han formado sobre Super Sentai para menospreciarla: una serie intencionalmente boba y poco profunda con payasadas absurdas y de mal gusto, falta de ambición, falta de verdadero peligro para los personajes. 

De ahí, Zenkaiger llevó ese mismo enfoque al máximo y lo hizo con completo descaro. Todo lo malo con Kiramager se ve multiplicado en Zenkaiger – todo esa negación a tomarse cualquier cosa enserio, ahora pretendiendo ser una parodia y señalar varios tropos ridiculizados de la franquicia pero careciendo de cualquier tipo de ingenio o comentario, por lo que se queda con meras burlas que no hacen más que hundir la serie y dar una mala impresión de lo que hicieron las series pasadas. A eso súmale la aversión a seguir principios básicos de historias de superhéroes y la perturbadora actitud irreverente y mezquina que tiene al momento de “homenajear” las series pasadas – con los personajes negándose a ayudar a los universos Sentai capturados, y la serie directamente poniendo a los “héroes” a pelear contra guerreros Sentai pasados e incluso burlándose de las muertes de algunos. La próxima serie, DonBrothers, debería demostrar la aversión que tienen a crear alguna narrativa coherente o ambiciosa y que la prioridad está en pésimos intentos de comedia, algo decepcionante comparado con los trabajos de antaño de Toshiki Inoue aunque en parte esto se puede excusar con que el tipo ya está viejo y falto de ideas. 

Sé que muchos pensarán que estoy exagerando, pero traten de entender que Super Sentai ha sido mi franquicia tokusatsu favorita por tantos años y me preocupa mucho su imagen y desempeño. Es duro pensar que esta será la dirección autodestructiva que tomará la franquicia después del fracaso de Ryusoulger, que estarán forzados a continuar con esta intención de querer humillarse a sí misma cada vez más, sin importar cuanto empeoren las ventas. Por supuesto que muchos que ven estas series no les importan estos problemas o incluso prefieren este enfoque, ¿pero por cuanto tiempo la serie puede mantenerse con esta absurda fórmula? Supuestamente Bandai no está molesto con las ventas históricamente bajas de los Sentai de Kiramager en adelante porque han degradado a la franquicia desde ese punto y han bajado las expectativas de ventas, ¿pero qué pasará cuando les empiece a ir peor que su rendimiento actual? ¿Degradarán aún más a la franquicia? ¿Hasta qué punto puede caer la franquicia hasta ya no ser considerada rentable? Solo recuerden cómo Doctor Who fue cancelado en los 80s, cuando la BBC quería mantener la serie aún después de más de dos décadas en emisión, recortando cada vez más el presupuesto de estas para que no haya tanto coste, sacando nuevas temporadas generalmente mal recibidas, y eventualmente poniendo a cargo a un productor que abiertamente odiaba la serie hasta que él finalmente decidió acabarla porque ya no era rentable. Debo decir que tampoco debemos tomar como hecho que Super Sentai continuará por siglos solo porque Shirakura lo dice, después de todo ese tipo es un patán y claramente va a decir cosas para complacer a los fans, así que no podemos descartar la posibilidad de que un día a Super Sentai le llegue el mismo destino que a los dinosaurios que tanto les gusta explotar. #RyusoulgerMatóASuperSentai #SuperSentaiViviráComoUnZombiPorElRestoDeSusDías 

Palabras de 2022

El segundo año con el blog activo ha terminado, debo decir que estoy más o menos satisfecho con todos los nuevos temas que introduje aún si les sigo debiendo a ustedes las próximas partes de algunas series, como la de Phantasy Star. Este año estuvo lleno de giros inesperados y cambios a los que tuve que adaptarme en medio de la carrera, lo cual se traduce en tener que dedicarle más tiempo a otras labores y, por motivos personales que no puedo mencionar y algunos delirios de alcanzar mis ideales, ir en contra de mi sentido común. Al menos puedo decir que este año sí fue interesante a diferencia del anterior y tengo nuevas historias que contar… solo que no puedo contarles nada de mi vida personal, pero puedo tratar de contarles de todo lo demás.

¿Qué tan bueno es Donbrothers?

No lo es – es tan patética que da lástima, pero no puedo sentir ni pena por ésta porque continúa con el desdén de Shirakura por la franquicia. Esa ilusión de un Sentai fuera de lo convencional que trae de vuelta el drama y viveza que la franquicia fue abandonando gradualmente por su pérdida de confianza en sí misma, desaparece desde la introducción del insoportable de Jiro. (Otro sexto de mierda que arruina la serie, vaya sorpresa.) A partir de allí la serie revela su verdadero ser: una serie sin ninguna dirección que consiste en su mayoría en un Toshiki Inoue pasado de fecha de caducidad que se dedica a escribir los episodios de comedia más burdos y estúpidos que pueda, y en Shirakura imponiendo sus típicas burlas a Sentai pasados, con toda la arrogancia de pensar que está haciendo algo que ningún Sentai anterior ya hizo. Pero el pésimo relleno ni siquiera es la peor parte, pues cuando la serie pretende seguir con alguna de sus tramas, se pone mucho peor. Todas las historias están tan mal planteadas y los sucesos de la trama parecen un shitpost que un escritor de fanfics de mierda escribiría para intencionalmente hacer renegar a sus lectores. Y mejor ni hablemos de lo barata y acartonada que se ve con sus horribles diseños y el exceso de CGI.

Claro que no es un soporífero popurrí de clichés con personajes subdimensionales como sus predecesoras, pero no entiendo cómo los fans consideran a Donbrothers como la gran salvadora de la franquicia. Sabes que Super Sentai ha caído bien bajo cuando una serie que prácticamente consiste en los ridiculizados episodios de comedia de Kamen Rider Blade y Kabuto encabeza los tops de mejores Sentai para muchos. La era Reiwa apesta, acéptenlo muchachos.

Kamen Rider Geats

Y bien, decidí seguir esta serie en su emisión, lo cual es una noticia más importante de lo que parece, considerando que en los últimos años estuve salteando las series Rider actuales. Build fue la última que estuve siguiendo semanalmente, aunque terminé abandonando esa serie por la mitad de todos modos – simplemente me parecía demasiado cutre y estúpida y no siento que me esté perdiendo de nada al no ver el resto. No estuve interesado en las temporadas subsecuentes, todas tenían algo que sabía que detestaría, pero ahora siento que posiblemente esos problemas no hubiesen sido para tanto y algunas de estas temporadas podrían terminar gustándome, como Zi-o y Zero-One.

Geats sí me llamó mucho la atención por sus diseños impecables y por el interés de probar una serie de mano del guionista Yuya Takahashi. Su estilo con diálogos verbosos y mensajes definidos ciertamente es interesante aún si siento que la serie no ha hecho mucho por impresionar y que a sus personajes les falta algo de chispa. Hasta el momento diría que he disfrutado moderadamente lo que he visto de ésta y le tengo buenas esperanzas. El hecho de que Kamen Rider Geats utilice sus propias ideas y no te lance a la cara referencias irrespetuosas y superficiales a sus series predecesoras la vuelve automáticamente superior al chiste que es la serie que la acompaña.

¿Alguien escuchó un retumbar?

Ustedes saben que no soy tan apasionado por el anime pero hay algunas series que son la excepción para mí. He estado viendo Shingeki No Kyojin (o Ataque a los titanes, como prefieras) desde 2015 pero luego de la segunda temporada se me fue olvidando el ponerme al día con la serie. No fue sino hasta finales del año pasado en el que mi hermano mayor, un mayor fanático que yo, me convenció de seguir viéndola. La tercera temporada no me decepcionó en lo absoluto y lo más chévere fue que mi hermano tuvo la alocada idea de que veamos la temporada final juntos a pesar de que (para ese entonces) ambos vivíamos en diferentes continentes. Luego de ajustar los horarios para hacer llamadas internacionales y que me preste una cuenta de una página web, pudimos ver la serie juntos, y justo después de terminar la primera parte pudimos ver los episodios de la reciente segunda parte de esta temporada final a penas se estrenen. ¿Qué puedo decir de esta? Simplemente increíble, toda la historia construida en decenas de episodios llevó a uno de los clímax más impresionantes que haya visto. Incluso si la temporada final final llega a ser una decepción, eso no quitará que esta serie me hizo pasar de los mejores días de este año.

Super Super Duper Hero Nombre estúpido

Fui con un amigo a ver esta película al cine y siento decir que no nos gustó para nada. Realmente no entiendo que le ven a esta cosa, todo lo que hace es reciclar ideas ya utilizadas en la franquicia y traer más power ups aburridos que recuerdan a las ridiculizadas transformaciones de Dragon Ball AF. La animación y las peleas estuvieron muy por debajo de lo que uno debe esperar para una película de este año y la gente es demasiado generosa con estas. Lo siento, pero mi lado cínico no pudo dejar de ver esta película como otro cash grab hecho para aprovecharse de la nostalgia y vender juguetes y sacar más DLCs en los juegos actuales de la saga.

Sasablue: Love Frequency

Eh, ¿esta será otra tradición para estas entradas? La verdad es que esta vez no tengo una historia interesante con esta canción, la forma de conocerla estuvo más o menos relacionada con la del año pasado pero no puedo contar más de eso. Eso sumado a que no vaya acompañado de un lindo videoclip de seguro que les va a decepcionar pero igual les pido que escuchen esta canción. Si no sabía prácticamente nada de BOL4, tengo un conocimiento casi nulo sobre Sasablue, pero al menos la canción sí salió este año y ha despertado mi interés por el cantopop (o mandopop, no estoy seguro). Cada año de una forma u otra encuentro estas canciones asiáticas de artistas que desconocía y que me llegan al corazón, así que creo que esta será definitivamente una parte integral de estas entradas anuales.

Juntemos más plástico

No enteramente por haber vuelto a ver Kamen Rider 555 y que se haya vuelto mi serie Rider favorita, pero este año volvió con fuerza mi meta de coleccionar figuras de series toku, empezando ceremoniosamente con este deslumbrante figuarts de Kamen Rider Faiz con luces. Al notar que comprar artículos de Japón no es tan complicado como parece, y a pesar de que la moneda de mi país cada vez se vuelva peor, empecé a comprar varias figuras de, especialmente, mis series favoritas. Del lado Sentai tengo algunas de Goranger, Jetman y Go-Busters, mientras que por el lado Rider me hice con algunas de Agito, Ryuki, Faiz y Blade; incluso me gané una de Kikaider por alguna razón.

Henshin! ¡Digo, cambio!

Otra serie que quise volver a ver para ver si mi opinión cambia de esta fue Kamen Rider Ryuki, solo que con esta sí me atreví a verla con su reciente doblaje latino. El hecho de que una serie como esta haya sido doblada a mi idioma a dos décadas de su emisión original suena como una manifestación luego de tomar mucho LSD, pero es real y yo mismo lo vi hace poco. El doblaje no estuvo mal por la mayor parte, solo faltándole algo de consistencia en la adaptación de los nombres de las cartas de invocación y otros términos de la serie, y que a algunos personajes les hayan dado voces demasiado chistosas. Al final estuve contento con esta nueva forma de ver Ryuki y diría que me gustó tanto como cuando la vi por primera vez hace algunos años.

Masaru se inicia con Ultraman

Relacionado con el punto anterior, he estado con ganas de ver series tokusatsu en español latino y justo recordé que había visto un par de episodios de Ultraman Tiga por televisión por lo que decidí finalmente verla debidamente. Mi papá me había contado que había visto Ultraman y Ultrasiete (o Ultraseven) en su momento, por lo que le convencí que veamos esta serie juntos. Yo sabía que un día llegaría a ser fan de Ultraman, desde mucho antes que empiece mi afición por el tokusatsu, y esta serie logró cautivarme desde el primer episodio, tiene un estilo fresco y diferente a las series de Toei a las que estoy acostumbrado y los efectos especiales de Tsuburaya son tan buenos como sus fans dicen. Esta serie logró unirme más con mi padre e interesarme por el resto de las Ultraseries.

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Eso ha sido todo lo que quería contar. Saben, tanto al comienzo como al final de este año las ocurrencias y la forma en la que me han tratado los demás me han querido demostrar que el mundo está lleno de pesimismo, pero yo sigo aferrándome a mis ideales y tratando de verle el lado bueno a las cosas. Espero poder ver el 2023 con tanto entusiasmo como este y que ustedes tampoco caigan en ese profundo vacío de negatividad.

El Ojo / Gin Gwai / Jian Gui

Aunque entendiblemente no tenga la mejor reputación, el género del cine de terror es mi favorito. Varias de estas son producciones baratas que solo cuentan con cosas como violencia gráfica para atraer las audiencias, pero sería incorrecto asumir que todo el género es tratado con tal cinismo o que no se puede decir lo mismo de otros géneros aclamados. Una producción que definió mi pasión y entusiasmo por este género fue la cinta hongkonesa de los hermanos Pang, El Ojo. Una película que funciona en varios sentidos y demuestra que con la debida dedicación e ideas originales se puede conseguir un gran filme con este género. Es una pieza fundamental para el cine de terror asiático y la que lanzó a la fama a los gemelos directores, de los que ya hablé un par de veces en este blog no necesariamente para llegar a hablar de esta saga.

Y sí, leyeron bien, esta es una serie cinematográfica, no una sola película. La primera es la que obviamente me importa más por haberla visto hace muchos años, pero después de conocer las secuelas y verlas a su tiempo terminé impresionándome con todo lo que ofrece la saga. Así que sin más que agregar, empecemos con esta antología de historias de fantasmas.

El Ojo (2002)

Si piensas que esta es otra adición redundante a la gama de películas orientales de fantasmas nacidas del éxito de la cinta japonesa Ring (1997) que continuaron produciéndose hasta pasar de moda a mediados de los 2000s, o que a lo mucho sería otra entretenida pero francamente insustancial como sus anteriores cintas de criminales tailandeses, tendrás que poner atención a lo que esta obra ofrecerá aparte de a tus ojos. Yo no solo veo a El Ojo como la mayor refinación y perfeccionamiento del estilo de dirección de los hermanos Pang, sino también diría que su historia es mucho más efectiva, profunda, sustanciosa y temática que todo lo que se ha logrado en Bangkok Dangerous y sus dos películas de seguimiento.

Lo primero en lo que los directores incursionan es en presentar una protagonista más tridimensional y en darnos una mayor introspección a su mente y las dificultades que enfrenta a lo largo de la historia. Esto significa que la película ya no puede sostenerse con sólo la dirección y efectos visuales, ahora el guion y los diálogos dentro de éste son vitales, prueba de esto es el hecho de que consiguieron a alguien más para que ayude a los hermanos a terminar el guion. La película empieza de forma sutil y melancólica con un monologo interno de la protagonista Mun, en el que ella explica su entusiasmo por ver y entender el mundo luego de haber sido ciega desde los dos años. Esa frase se manifiesta en distintas partes de la trama, y la película manifiesta adecuadamente el lado optimista con suma honestidad. Las secuencias iniciales en las que Mun se hace amiga de otra paciente del hospital, Yingying, son sorprendentes de ver en una película de terror por lo tiernas y hasta cómicas que son.

La otra consecuencia de recuperar la vista, y el mayor punto de interés de la película, es que Mun consigue la habilidad de ver fantasmas. El realismo característico de los directores regresa con una atmósfera espeluznante para crear escenas terroríficas de primera categoría. Esa incertidumbre sobre lo que el mundo trae, como si se tratase de volver a nacer, es una parte atacada incesantemente con momentos en los que Mun ve figuras claramente anormales, escucha ruidos tenebrosos, y es directamente acosada por estos a todas partes que vaya. No solo es la sensación de peligro lo que la inquieta profundamente, sino también la pena de tener que ver gente que acaba de morir. La película no se contiene en cuanto a mostrar niños como las víctimas, el chico atropellado y el otro de “viste mis calificaciones” son algunas de esas. Pero la que obviamente entristece más tanto a la audiencia como a Mun es la de Yingying, en la que ella es llevada por una de esas figuras oscuras tras su fallida operación, antes de que pudieran salir como le prometió. Todo es tan agobiante para la protagonista, lo cual aparte del factor dramático también sirve para reflejar la inspiración en el caso real del que esta película se basó: de la chica que se suicidó poco después de haber recuperado la vista por una operación.

La espiritualidad manejada en la película también resalta por ser decentemente inusitada. Algunas leyendas locales son mostradas como la de la mujer con lengua azul del restaurante, o el taoísmo representado con las ceremonias para los muertos, además del principio de que aquellos que no aceptaron su muerte estén destinados a repetir su muerte hasta que esto sea resuelto, el cual se vuelve el principal motivo cerca del final de la película en la que Mun y el doctor Wah viajan a Tailandia para calmar el espíritu de la donante de los ojos. Otro punto que ayuda a sostener la atmósfera y sensación de cada escena aparte de la sublime banda sonora definitivamente es la excelente actuación de la simpática Angelica Lee, ella logra con creces que su personaje sea querible y expresa a la perfección todas las emociones por las que pasa.

La secuencia final en la autopista de Tailandia merece una mención especial. Toda esa maestría de los directores en crear escenas que recreen la realidad llega a su punto cumbre para darnos una de las más impresionantes escenas de destrucción a gran escala. Aparentemente basado en un incidente real que pasó en Tailandia en el año 1990, esta escena presenta una autopista llena de vida, de gente con diferentes asuntos y sentimientos, siendo arrasada por el fuego infernal de la explosión de un camión de gas. Los impresionantes efectos especiales, que reflejan perfectamente la violencia de este accidente; la composición de escena con diferentes personajes establecidos en el lugar antes del suceso, combinado con la desesperación de la protagonista por tratar inútilmente en salvar a las personas de un inminente desastre como lo intentó (y fracasó) la anterior portadora de los ojos, resultan en una de las escenas de desastres más eficientemente intensas y emotivos de todas – uno de los mayores logros de los hermanos Pang. Sinceramente diría que ninguna escena de destrucción en alguna película kaiju o de desastre me ha causado la misma emoción que la de esta cinta.

El Ojo es todo un triunfo del cine asiático de terror hecho por unos directores que demostraron tener un gran entendimiento del género y añadiendo su propio estilo a la producción. Si la vas a ver para conmoverte por los personajes también tienes que tomar en cuenta que te esperarán unos buenos sustos, así que hazte un favor y vela de la misma forma que hice yo: solo, después de medianoche en una habitación con las luces apagadas, si el lugar no es tu dormitorio veamos si no te da miedo caminar hasta allí en plena oscuridad.

Valoración: 9/10

El Ojo 2 (2004)

Tanto el regreso de los hermanos Pang como directores para asegurar que algún otro talento inferior no pueda arruinarla, como la accesibilidad por poseer también un doblaje latino me convencieron de probar esta secuela. Naturalmente, ésta no sigue la historia de la anterior sino que presenta una realización diferente de este concepto. Esta vez los gemelos no aportarían con la historia sino que esta sería escrita por un nuevo guionista y por el que les ayudó con la anterior, lo que significa que aparte de las muy vagas similitudes en cuanto a la atmósfera y temática, ésta tiene la libertad de explorar terreno diferente para la saga.

Esta trata sobre Joey, una mujer que tras el rompimiento con su novio intenta suicidarse con una sobredosis de pastillas, y que tras fallar en el intento adquiere involuntariamente la habilidad de ver fantasmas, así como descubrir que está embarazada. El tormento psicológico por el que pasa la protagonista continúa en esta secuela con la paranoia por ver figuras espectrales y lo de saber quiénes han muerto, y ahora sumado con la agonía causada por tener el hijo de un hombre que la ha abandonado, las constantes apariciones de esos fantasmas que buscan “poseer” a los bebés de los demás, y especialmente por ser perseguida por el espíritu de una mujer quien posteriormente se revelaría como la difunta esposa de su exnovio.

Decir que esta secuela es más oscura que la original quedaría corto. El Ojo 2 es considerablemente más atrevida y toca temas más macabros que su predecesora, resultando en otras escenas eficientemente perturbadoras como las de esas siniestras figuras humanoides flotando inhumanamente hacia el vientre de las mujeres en el momento de parto para intentar reencarnar. Los directores muestran toda su dedicación y creatividad con el concepto, empleando diversos efectos especiales, tomas y cortes llamativos, y filtros que les dan la ambientación correcta a cada escena. Y por supuesto que la formidable banda sonora y los temas budistas de reencarnación ayudan a mantener el interés a lo largo del filme.

Desde un principio sentía que a esta secuela le faltaba algo a pesar de mejorar el aspecto terrorífico, lo que después de verla un par de veces me hizo notar que aparte de que ésta no tiene un clímax tan impresionante como de la anterior, es un poco más difícil sentir algo por su escasa gama de personajes debido a la frialdad presente en ellos. Al menos el último punto se compensa en gran parte para mí por la interpretación de Shu Qi como Joey. La famosa actriz taiwanesa tuvo que hacer todo tipo de actos humillantes para esta película, como drogarse, entrar en pánico, estar embarazada, e intentar suicidarse; y ella lo hace todo con dedicación y profesionalidad, realmente fue un papel exigente que requería a una actriz tan hábil como ella.

Tengo que ver más películas de Shu Qi.

Valoración: 8/10

El Ojo 3: Infinito (2005)

Santos ojos embrujados… entiendo que hayan querido tomar una dirección diferente para la tercera entrega, pero no entiendo por qué optaron tan rápidamente en hacer una parodia – ¡y de parte de los mismos responsables de las dos anteriores! Claro que esto significa que todos los involucrados tienen todo el entendimiento de la saga para parodiarla correctamente, y casi se podría decir que lo consiguieron. Tengo fuertes sentimientos encontrados hacia esta película, diría que me encanta tanto como la detesto.

El concepto realmente no está nada mal. Las dos anteriores siguieron una fórmula más o menos similar en la que la protagonista obtiene la habilidad de ver fantasmas luego de pasar por un escenario insólito, y en vez de tener que idear otro suceso como esos por tercera vez y potencialmente comprometer la saga a seguir con esa fórmula, decidieron que ésta se centre específicamente en los diferentes ritos alocados para conseguir ese sexto sentido. Los pobres sujetos de prueba para estos son un grupo de amigos hongkoneses que andan de viaje en Tailandia, de los cuales su principal anfitrión, Chongkwai, es estafado (mortalmente) en comprar un libro que detalla las 10 maneras de ver fantasmas, así que éste les invita a divertirse probándolos…

Dos de estos ritos, considerados suicidas, fueron los que vimos en las dos películas anteriores, mostrados brevemente con metraje de estas como flashbacks. Los ocho restantes consisten en otros mitos y creencias locales, cada uno realizado al menos una vez a lo largo de la película. El drama se da cuando en uno de estos rituales –el de jugar a las escondidas en el bosque a la medianoche con un gato negro– uno de los amigos desaparece, causando una profunda tristeza en su novia April y que sus otros dos amigos (Ted y May) se regresen a Hong Kong… y que la maldición los siga hasta allá.

Una desviación notable en cuanto a sus predecesoras que personalmente me parece para el perjudique de ésta es la falta de un(a) protagonista definido. Hasta ahora no estoy seguro de si alguno de ellos es asignado como el personaje principal, y tampoco ayuda que ninguno de estos sea particularmente interesante e incluso pueden llegar a ser desagradables, aunque por lo menos los actores elevan el carisma y credibilidad de éstos… pero esto varía entre cada intérprete. Las escenas de fantasmas, siguiendo la premisa de realizarlas voluntariamente, son mucho menos sutiles y consecuentemente menos efectivas en su objetivo de asustar. Pero eso es sólo juzgar una de las facetas de la película, pues el lado cómico es igual o aún más prominente en ésta.

Esta única escena hace que toda la película valga la pena.

No malentiendan el enfoque de la película con hacer reír, no es que sea infantil o que sea más idealizada, sino más bien lo contrario: El Ojo 3 tiene un elemento de humor negro que, de momentos, puede llegar a considerarse perturbador. Este es el punto que más varía en cuanto a resultados, algunos de estos son simples adiciones como cuando Chongkwai descubre el precio original del libro, pero varias de estas consisten en parodias completas a lo que podrían haber sido escenas de miedo convencionales. Un paraguas flotante y una pelota de baloncesto poseída obviamente causan más risa que miedo, cumpliendo en lo de parodiar estas historias paranormales. Por mucho, la escena más hilarante es en la que Ted es poseído por el espíritu de la pelota y empieza a moverse extrañamente, topándose con dos breakdancers que interpretan esos movimientos como un reto así que empieza una graciosísima escena de un duelo de baile entre estos ingenuos artistas callejeros y un tipo poseído. Había pasado años desde la última vez que una película me había hecho reír tanto, y considerando que se trata ni nada menos que de una de terror debe considerarse como todo un mérito. Lastimosamente, mucho de los otros chistes van demasiado lejos y terminan en meras burlas de mal gusto. La escena en la que Gofei orina sobre el fantasma de un niño o en la que Ted le da una patada al niño que buscaba sus calificaciones (el cual esta vez no es un fantasma) son algunos de los ejemplos más tenues de lo que la película ofrece en cuanto a humor repulsivo.

No es difícil llegar a la conclusión que de las primeras tres entregas de El Ojo esta es la peor, simplemente es la que da menos miedo y tampoco es totalmente efectiva en lo que trata de ofrecer aparte de eso, pero tampoco creo que deban desacreditar por completo todo lo logrado con ésta. El estilo y comedia siguen siendo superiores a muchos intentos patéticos de otros cineastas de otros países de hacer lo mismo (especialmente de los estadounidenses de aquella época) y sigue teniendo ese interés cultural por el uso de leyendas locales. Está claramente alejada del estilo sincero, sutil y elegante de la primera película, pero tiene sus propios méritos y al menos no es un refrito de sus predecesoras.

Valoración: 5/10

El ojo del mal (2008)

También conocido como “Visiones” en España, es el mandatorio remake de Hollywood basado en un exitoso filme asiático, hecho o bien porque los gringos tienen el ego tan alto que piensan que pueden realizar esta idea de película mejor que los asiáticos o porque no quieren crear nuevos guiones por sí mismos. Ese prejuicio ha sido lo que me ha hecho temer el ver esta película, pero quizás no siempre el resultado sea tan malo. El remake de Ring (El Aro) estuvo bien y hasta cierto punto la versión americana de Ju-on mantiene la esencia de la original, así que por eso y porque se me antojaba en demasía ver más de esta saga, decidí darle una oportunidad…

…y resulta que mi intuición era correcta. En realidad no, de hecho resulta ser mucho peor de lo que imaginaba. Este es un intento patético de recrear la cinta original y fallando en todo lo que hizo que esa sea tan efectiva y memorable. La sincera y perspicaz dirección de los hermanos Pang es reemplazada por algunas de las escenas de terror más genéricas y sosas que verás, llena de jumpscares y fantasmas cursis y feroces. El sólido guion con sinceros y cálidos momentos de personajes desaparece a favor de diálogos ridículos y personajes desagradables, llevado a niveles abismales por culpa de una de las peores actuaciones de Jessica Alba y una falta de entusiasmo en general por parte del resto del elenco. El cambio de calificación a PG-13 comparado con la clasificación R de la original también significa que la violencia y las escenas más perturbadoras han sido suavizadas considerablemente, con el acto final de la autopista siendo la mayor pérdida: aquí sí logran salvar a todos los pasajeros, haciendo que esta secuencia pierda por completo el impacto que tuvo la escena original.

El único punto interesante que trae esta versión es la explicación que quiere darle a la herencia de la habilidad tras el trasplante de la protagonista, sobre la teoría de que algunos órganos pueden pasar rasgos de personalidad e incluso recuerdos a otra persona luego de haber sido transferida a ésta – un reemplazo interesante de las creencias religiosas de la original. Pero aparte de eso, no hay absolutamente ninguna razón para ver este tedioso bodrio en vez de la indiscutiblemente superior versión de los hermanos Pang.

Hubo otros dos remakes hechos en India en los años 2004 y 2005, pero no creo que sean fáciles de encontrar y sinceramente no tengo nada de ganas de verlas. Quizás escriba sobre esas en otra ocasión.

Valoración: 3/10

El ojo del miedo (2010)

Incluso con el sorprendente hecho de haber recibido un doblaje latino (al igual que la tercera), esta es la entrega más ignorada de toda la tetralogía. Lo cual es injusto porque ésta no es ni por asomo tan mala como los demás quieren pretender que es. El Ojo 4 presenta un giro muy interesante a la fórmula de la saga y ofrece sustos innovadores no solo para la franquicia sino para el cine Hongkonés en general.

En aquel entonces hacer películas 3D era lo más candente, por una tarifa adicional podías ponerte unos lentes bicolor que hacían que lo que estaba en pantalla salte a tus ojos, y las empresas estaban totalmente a bordo de aprovechar eso luego del éxito bestial de Avatar – y eso es justamente lo que convenció a los gemelos a revivir esta saga a media década después de El Ojo 3 y un par de años del remake.

El nuevo estilo visual proporcionado por las escenas 3D –que de acuerdo a los directores fueron lo más difícil de realizar– logra darle el interés necesario a esta entrega, ya que a este punto debe haber sido demasiado complicado el pensar qué dirección puede tomar esta saga, considerando que la última ya mostró los modos restantes para ver fantasmas y tratar de repetir alguno de esos o los vistos en las primeras dos entregas no ofrecería nada novedoso. Por otro lado, la historia inicialmente no suena tan novedosa o interesante, tratando sobre otro grupo de amigos hongkoneses (3 chicas y 3 chicos, algunos son pareja) que en su viaje en Tailandia quedan varados ahí por culpa de las manifestaciones contra el gobierno que causaron el cierre del aeropuerto, por lo que a ellos no les queda de otra que quedarse en un hotel de mala muerte, donde empezaría la típica fiesta de figuras fantasmagóricas.

Aparte de las leves similitudes con la tercera, como un grupo de protagonistas más amplio y la ocasional escena cómica, El Ojo del Miedo vuelve a manejar sus escenas de miedo con toda la tensión y morbosidad de una película de terror tradicional, tal como en las primeras dos películas. El misterio sobre el hotel y las entidades en ésta me parecen haber sido llevadas a cabo correctamente, inicialmente haciéndonos creer que solo está el fantasma de una mujer, y que fue el sospechosamente irascible hermano Quan el responsable de eso. El espíritu de la esposa es claramente lo que ha estado acosando a los protagonistas al punto de secuestrar a los varones aproximadamente a la mitad de la película. Eso lleva a lo que para mí es el giro más interesante de la película, el cual voy a ocultar porque es algo que deberían verlo ustedes mismos: En el ático del hotel, resguardado por el hermano Quan, se encuentra un horripilante monstruo con cuerpo de niño y cabeza de perro, el cual resulta ser el hijo maldito de Quan y su esposa luego de que ésta mate a sus perros. La esposa murió por accidente luego de matar a uno de sus engendros, pero Quan mantuvo escondidos a su hijo en el ático y a su esposa en un contenedor de agua, por lo que ocasionalmente el espíritu de ella se manifiesta en el hotel, buscando a otros sujetos para tenerlos en su dimensión acartonada como sus hijos. Las escenas 3D y los mayormente buenos efectos especiales también ayudan a hacer que estas escenas den tanto miedo como puedan.

Al igual que con el El Ojo 1 y 2, la actriz principal carga sobre sus hombros gran parte de la película. Rainie es una buena protagonista, es agradable, valiente e incluso fuerte (la parte en la que vence a Ciwi poseída dos veces es posiblemente la segunda escena más graciosa de toda la tetralogía), y la lindísima actriz taiwanesa Rainie Yang la interpreta bien. Dicho esto, he de admitir que el guion no ha manejado a los otros personajes o a sus relaciones muy bien, con la pésima relación amorosa entre Luk y Rainie siendo el mayor ejemplo. Es penoso que Rainie siga interesada por ese tipo, Luk es todo un cretino a lo largo de la cinta y el actor lo muestra solamente como un insensible. Personalmente, este problema no me parece tan grave como otros dicen ya que el enfoque de la película no está en eso sino en el terror y el misterio con respecto al hotel, por lo que la película sí cumple con el género que eligió primeramente.

Dudo mucho que algún día los hermanos Pang nos sorprendan con otra secuela de El Ojo, pero tampoco me molestaría en aceptar a The Child’s Eye como el final de la franquicia. Algo que admiro de esta saga es lo mucho que cada entrega se distingue de la otra. El Ojo 2 es la más oscura, El Ojo 3 está llena de bufonadas y va más allá con el concepto de ver fantasmas, y El Ojo del Miedo aparte de traer un estilo visual innovador también hace algo más que sólo enfocarse en fantasmas. Sí un día hubiese El Ojo 5, tendría una barra alta que saltar para quedar bien comparada con la creatividad puesta en sus predecesoras.

Valoración: 7/10